El Romanticismo. La evolución de la Sonata

1. El Romanticismo

1.1. Contexto Histórico

El Romanticismo surgió en un contexto de profundos cambios sociales, políticos y económicos que transformaron Europa y el mundo. Uno de los eventos más trascendentales de este periodo fue la Revolución Francesa de 1789, que marcó el fin del Antiguo Régimen y promovió ideales de libertad, igualdad y fraternidad. Sin embargo, las tensiones y conflictos derivados de esta revolución, así como las guerras napoleónicas que siguieron, crearon un ambiente de inestabilidad y cambio constante que influyó profundamente en los artistas románticos.

1.2. Contexto Artístico

En la música, el Romanticismo supuso una transformación significativa en el lenguaje musical. Compositores como Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Frédéric Chopin y Franz Liszt expandieron las formas musicales tradicionales, incorporando armonías más expresivas y estructuras más libres. La orquestación se enriqueció con una mayor variedad de colores sonoros y dinámicas, permitiendo una mayor expresión emocional. La música romántica buscaba conectar directamente con el oyente, transmitiendo estados emocionales profundos y personales, y estableciendo una relación más íntima y directa con el público.

1.3. Etapas del Romanticismo

El Romanticismo se desarrolló a lo largo del siglo XIX y se puede dividir en tres etapas principales: temprana (de 1800 a 1830), plena (de 1830 a 1850) y tardía (de 1850 a 1890), cada una con características distintivas que reflejan la evolución del movimiento. Por supuesto es importante tener en cuenta que las fechas mencionadas son aproximadas y pueden variar según diferentes interpretaciones. A lo largo de esta Unidad profundizaremos como evolucionó la Forma Sonata durante el Romanticismo.

Romanticismo temprano (1800-1830). Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.

Ludwig van Beethoven por Joseph Karl Stieler (1820) [óleo sobre lienzo]	Franz Schubert por Wilhelm August Rieder (1875) a partir de una acuarela original de 1825 [óleo sobre lienzo]

Romanticismo Pleno (1830-1850). París se convierte en el centro cultural más influyente. Destacan autores como Frederick Chopin, Félix Mendelssohn, Robert Schumann. Es la época del virtuosismo instrumental de Franz Listz al piano o de Niccolo Paganini al violín. Para los compositores de este periodo lo más importante es la expresión de las emociones personales y el deseo de romper con la música anterior.

Frédéric François Chopin (1846) [fotografía]	Felix Mendelssohn por Edward Magnus (1846) [óleo sobre lienzo]		Robert y Clara Schumann por Eduard Kaiser (1847) [litografía]
Franz Listz (1870) [fotografía]		Niccolò Paganini por John Whittle (1836) [óleo sobre lienzo]

Romanticismo tardío (1850-1890). Esta última generación romántica o postromántica nos enlazará con el Neoclasicismo de comienzos del siglo XX. Destacan compositores de ópera como Wagner y Verdi o Johannes Brahms, en la música instrumental. El aumento del interés por la música del pasado se equilibró con el nacimiento de nuevos estilos en la música de concierto y por una creciente seriedad dentro de las salas de conciertos; a su vez, las formas nuevas de la música de entretenimiento ensancharon el abismo entre la música clásica y la popular. Aparecen nuevas corrientes musicales, el Post-romanticismo y el Nacionalismo (estas corrientes se estudiarán en la UD8).

1.4. Características generales de la música romántica

La música romántica se centró en transmitir emociones profundas, personales y, a menudo, extremas. En lugar de buscar la objetividad y la perfección formal del Clasicismo, los compositores exploraron el drama, la melancolía, el amor, la nostalgia y lo sublime. Las obras no solo buscaban entretener, sino conmover al oyente, llevándolo a un viaje emocional único. Esta característica está estrechamente vinculada con el auge de la música programática, donde las composiciones se inspiraban en historias, paisajes o emociones específicas, como se observa en las sinfonías de Berlioz o las obras para piano de Schumann.

Las melodías en la música romántica son largas, fluidas y profundamente expresivas. A menudo reflejan un carácter cantabile, inspirado en la tradición operística y la poesía lírica. Estas melodías no solo buscan belleza, sino también transmitir sentimientos humanos intensos. Ejemplos como los temas de las sonatas de Schubert y Chopin muestran un lirismo que trasciende la función meramente estructural para convertirse en el núcleo emocional de las obras. En esta etapa, los compositores utilizaban frases melódicas más libres, que a menudo desafiaban las simetrías clásicas.

El Romanticismo marcó un cambio hacia un lenguaje armónico más rico y complejo. Los compositores ampliaron el vocabulario tonal mediante el uso frecuente de cromatismos, acordes alterados y modulaciones a tonalidades remotas. Estas innovaciones permitieron crear una mayor tensión y variedad emocional. Por ejemplo, Wagner revolucionó la armonía con su uso del acorde de Tristán, mientras que compositores como Liszt y Brahms experimentaron con relaciones tonales inusuales, añadiendo profundidad y ambigüedad al discurso musical.

La textura en la música romántica se volvió más densa y variada, con un enfoque en crear una sonoridad envolvente. Esto se logró mediante la expansión del rango dinámico y tímbrico, así como el uso de registros extremos en el piano y las cuerdas. En el ámbito orquestal, los compositores exploraron nuevas combinaciones instrumentales para añadir colores únicos a sus obras. Ejemplos notables incluyen las sinfonías de Mahler, que emplean una orquesta masiva, o las miniaturas de piano de Schumann, que utilizan texturas íntimas para reflejar estados emocionales complejos.

A diferencia del Clasicismo, donde los compositores seguían modelos estandarizados, el Romanticismo celebró la originalidad y la voz personal de cada artista. Compositores como Chopin, Brahms y Liszt desarrollaron estilos únicos, explorando estructuras libres y fusionando influencias culturales y personales. Esta individualidad se refleja en la diversidad de formas: desde los nocturnos y polonesas de Chopin hasta los poemas sinfónicos de Liszt, cada obra refleja la visión del mundo del compositor.

El Romanticismo coincidió con un renacimiento de las identidades nacionales, y los compositores incorporaron elementos folclóricos en sus obras para reflejar las tradiciones culturales de sus países. Ejemplos como las Danzas Húngaras de Brahms o la Sinfonía del Nuevo Mundo de Dvořák integran melodías, ritmos y modos folclóricos, conectando la música con las raíces culturales.

El ritmo en la música romántica se volvió más fluido y dinámico, con patrones rítmicos complejos que incluían síncopas, hemiolas y cambios métricos frecuentes. Este interés por la variación rítmica no solo añadía interés estructural, sino también una capa adicional de expresividad. En obras como los valses de Chopin y los scherzos de Brahms, los ritmos irregulares y desplazamientos métricos contribuyen a la riqueza emocional y al movimiento intrínseco de la música.

1.5. Línea temporal

2. La evolución de la Forma Sonata

Durante el siglo XIX, la sonata pasó por muchos cambios, tanto en su significado como en la forma en que se componía. Al principios del siglo XVIII, el término sonata se usaba para referirse a cualquier pieza de música instrumental. Sin embargo según fue evolucionando empezó a entenderse como una forma más concreta con reglas específicas. Teóricos como Carl Czerny o Adolph Bernhard Max ayudaron a delimitar el concepto de sonata, estableciendo una serie de reglas formales y estéticas.

El Romanticismo trajo consigo una búsqueda constante de originalidad, y la sonata fue un campo donde muchos compositores experimentaron. Algunos innovaron con éxito, mientras que otros fueron criticados por quedarse demasiado apegados a las normas o por alejarse demasiado de ellas.

Algunos pensaban que la sonata era una forma pasada de moda, mientras que otros la consideraban una de las expresiones más importantes de la música. Compositores como Schumann, Chopin y Brahms renovaron el interés en la sonata, usando temas que se repetían entre los movimientos para dar unidad y creando obras que conectaban con las emociones del público.

2.1. Romanticismo temprano

La fase temprana del Romanticismo, que abarca desde aproximadamente 1800 hasta mediados del siglo XIX, se caracteriza por una intensificación y exageración de los elementos clásicos. Durante este período, compositores como Schubert, Beethoven o Weber buscaron expandir los límites de la forma sonata, aportando nuevas dimensiones melódicas, armónicas y texturales.

Melódicamente, esta época destacó por el empleo de melodías extensas, líricas y contemplativas. Schubert destacó con sus frases bien definidas, influenciadas por su producción de lieder, como se observa en la Sonata en Si bemol mayor (D. 960). En contraste, Beethoven o Czerny exploraron texturas más abiertas, empleando el rango extendido del piano, un instrumento que experimentaba un desarrollo técnico considerable. Estas innovaciones no solo ampliaron las posibilidades expresivas del instrumento, sino que también sentaron las bases para el desarrollo de una escritura pianística más rica y compleja, que sería aprovechada posteriormente por compositores como Chopin y Liszt.

La armonía también se expandió, con un mayor uso de acordes disminuidos, aumentados y modulaciones a tonalidades lejanas. Schubert demostró una audaz exploración tonal, mientras que Weber utilizó progresiones cromáticas para intensificar la tensión dramática, como se ve en sus obras para piano y sus óperas. Estas técnicas armónicas ampliaron el vocabulario tonal disponible, permitiendo a los compositores crear paisajes sonoros de gran profundidad emocional y complejidad estructural.

En términos de textura, los acompañamientos tradicionales, como el bajo Alberti, fueron reemplazados por arpegios amplios y texturas más ricas, permitiendo un sonido más envolvente y dramático. Este enfoque textural sentó las bases para la fase siguiente, donde la plenitud sonora sería un rasgo distintivo. Además, el uso de registros extremos del piano ofreció una mayor variedad tímbrica y un rango emocional más amplio, contribuyendo a la evolución de la forma sonata hacia estructuras más expresivas y menos rígidas.

La Estructura de la Forma Sonata

En el Romanticismo temprano, la estructura de la sonata conservó los principios básicos del modelo clásico, pero con modificaciones significativas que reflejaban los ideales románticos de expresión emocional y libertad creativa, aunque seguía predominando la estructura tripartita (exposición, desarrollo y recapitulación).

La sección de exposición en las sonatas románticas tempranas mantuvo la presentación de dos temas principales contrastantes, pero los compositores comenzaron a experimentar con relaciones tonales menos convencionales. Mientras que en el Clasicismo se priorizaba una transición clara hacia la dominante, en el Romanticismo temprano se exploraron modulaciones hacia tonalidades más alejadas, como la mediante o la submediante (VI), añadiendo un carácter emocional más introspectivo. Las melodías en esta etapa se volvieron más largas, líricas y menos simétricas, rompiendo con la regularidad de las frases clásicas.

El desarrollo, la sección más experimental, se expandió significativamente en el Romanticismo temprano. Los compositores exploraron texturas más densas y técnicas como el cromatismo, la secuenciación y el uso de fragmentos melódicos para intensificar la tensión. Esta parte solía incluir un lenguaje armónico más complejo, con progresiones de acordes alterados y modulaciones que acentuaban el dramatismo.

Aunque la recapitulación cumplía la función de regresar al tema inicial, los compositores románticos tempranos introdujeron transformaciones que podían incluir cambios armónicos, variaciones melódicas o incluso la omisión o reconfiguración de ciertas secciones. Esto reflejaba una intención más narrativa y menos rígida, característica del Romanticismo.

En muchas sonatas del Romanticismo temprano, la coda adquirió un mayor protagonismo, funcionando no solo como una conclusión, sino como un espacio para reafirmar la emocionalidad de la obra. A menudo, estas codas se expandían con material temático adicional, lo que añadía peso dramático al final.

2.2. Romanticismo pleno

Durante el siglo XIX, el Romanticismo pleno se manifestó como una revolución artística en la que la subjetividad, el dramatismo y la libertad creativa desafiaron las rígidas estructuras clásicas. La forma sonata, que había sido perfeccionada por Haydn, Mozart y el Beethoven de sus inicios, se transformó para adaptarse a un lenguaje emocional y narrativo propio de la época. Este período no fue tanto un abandono de la tradición como una reinvención de sus cimientos, permitiendo a los compositores explorar territorios nuevos sin renunciar a la solidez estructural.

La transición del Clasicismo al Romanticismo se evidencia en la obra de Beethoven, cuyo período tardío —ejemplificado en la Sonata Hammerklavier— anticipó el espíritu romántico mediante la expansión de la forma sonata con desarrollos extensos y codas monumentales. Su música actúa como puente entre el equilibrio clásico y la pasión desbordada de la nueva era. Además, corrientes filosóficas como el Sturm und Drang, el idealismo alemán de Hegel y Schopenhauer, y una profunda fascinación por lo sublime en la naturaleza, impulsaron a los compositores a explorar desde la introspección lírica hasta un virtuosismo casi teatral.

La Estructura de la Forma Sonata

En el Romanticismo, la forma sonata conservó su esqueleto (exposición-desarrollo-recapitulación-coda), pero se dotó de una flexibilidad que le permitía acoger narrativas personales y emocionales.

La exposición dejó de presentar simplemente temas contrastantes para favorecer la interconexión de ideas musicales. Así, en obras como la Sinfonía No. 3 "Renana" de Schumann, el tema principal y el secundario comparten células rítmicas, generando una unidad orgánica, mientras que la introducción lenta, tan característica en piezas como la Sinfonía No. 4 de Brahms, crea una atmósfera cargada de expectación.

El desarrollo se convirtió en una etapa de ampliación técnica y emocional. Los temas no solo se modulan, sino que se fragmentan, se superponen y se transforman en climas contrastantes, como se observa en la Sinfonía No. 6 "Patética" de Tchaikovsky, donde pasajes frenéticos en fagotes y violines dramatizan una angustia existencial. Además, la integración de material nuevo, no presentado en la exposición, aporta dinamismo y sorpresa, una práctica que Liszt aplicó magistralmente en su Sonata en Si menor.

La reexposición, en este contexto, sufre alteraciones significativas. El tema secundario puede reaparecer en una tonalidad distinta a la tónica, rompiendo con la resolución clásica y, en ocasiones, se omite o se fusiona con la coda, como en la Sonata para piano No. 2 de Chopin.

Esta última sección, la coda, dejó de ser una simple conclusión para transformarse en un verdadero segundo desarrollo, a veces incorporando nuevos motivos y modulaciones inesperadas, tal como ocurre en la Sinfonía No. 9 de Beethoven o en el concierto para piano No. 2 de Brahms.

El uso de innovaciones armónicas y tonales fue otra marca del Romanticismo. El cromatismo, las modulaciones abruptas y los acordes alterados —como las séptimas disminuidas y las relaciones enarmónicas— se convirtieron en herramientas fundamentales para evocar emociones complejas y misteriosas. Compositores como Brahms y Chopin exploraron modulaciones sorprendentes y tonalidades progresivas que desafían la linealidad clásica, abriendo caminos a resoluciones inesperadas y a una nueva forma de narrativa musical.

Asimismo, la transformación temática se volvió un recurso expresivo esencial. Inspirados por la idé fixe de Berlioz y el uso del leitmotiv wagneriano, los románticos utilizaron motivos que se transformaban a lo largo de la obra para representar ideas abstractas y profundas. La Sonata en Si menor de Liszt es un claro ejemplo de esta técnica, donde un motivo de cuatro notas se reinventa de múltiples formas, abarcando desde una marcha fúnebre hasta un pasaje virtuosístico. Del mismo modo, Schumann reinterpretó sus temas líricos en distintos caracteres a lo largo de su Sinfonía No. 4.

La integración de elementos programáticos también enriqueció la forma sonata. Aunque tradicionalmente abstracta, la estructura se fusionó en ocasiones con narrativas extramusicales.

2.3. Romanticismo tardío

En el Romanticismo tardío, la evolución del lenguaje armónico es notable. Los compositores amplían el vocabulario tonal a través de un uso más sofisticado del cromatismo, de modulaciones a tonalidades distantes y de acordes alterados que intensifican la sensación de inestabilidad. Mientras que en el Romanticismo pleno se utilizaban modulaciones inesperadas para expresar el conflicto interno, en esta etapa dichas técnicas se perfeccionan, llevando a la música a territorios armónicos aún más ricos y ambiguos.

La Estructura de la Forma Sonata

Si bien la forma sonata es uno de los pilares del análisis formal de la música clásica, en el Romanticismo tardío se somete a una transformación que refleja la búsqueda de una expresión más libre y subjetiva. Los elementos fundamentales —la exposición, el desarrollo y la recapitulación— se mantienen, pero adquieren nuevas dimensiones.

En el Clasicismo, la exposición presentaba claramente dos temas contrastantes: el primero en la tonalidad principal (tónica) y el segundo en la dominante o en tonalidad relativa. Esta estructura, con transiciones bien definidas, garantizaba el equilibrio formal y la claridad arquitectónica de la obra.

En el Romanticismo tardío, sin embargo, esta presentación temática evoluciona:

·         Temas en continua evolución: Los temas dejan de ser ideas claramente separadas para derivar de un motivo común o ser tratados de manera continua. La exposición se convierte en un espacio fluido donde las transiciones pueden ser graduales o casi imperceptibles.

·         Expansión de la introducción lenta: Aunque inicialmente poco frecuente en el Clasicismo, la introducción lenta se convierte en un recurso narrativo habitual que prepara el ambiente emocional de la obra.

En el siguiente ejemplo podemos como Brahms transforma uno de los temas de la introducción de su 1ª sinfonía en uno de los motivos de la exposición. El motivo, inicialmente expuesto por las flautas en el compás 9 de la introducción lenta, se repite por los violines en el compás 52 con anacrusa, este se presenta de manera literal y simultánea a otros temas presentados en la introducción.

Esta sección se alarga y se enriquece con modulaciones sorprendentes y fragmentaciones temáticas que intensifican el conflicto interno. La experimentación armónica se fusiona con la transformación del material melódico, creando pasajes de gran carga emocional.

La reintroducción del tema principal se realiza con variaciones ornamentales que no solo confirman la tonalidad original, sino que aportan una nueva interpretación del material. La coda se expande para funcionar como clímax emocional, resolviendo, en muchos casos, las tensiones acumuladas a lo largo del movimiento.

2.4. Evolución de los 2º, 3º y 4º movimientos

Tal y como vimos en la UD4, cada movimiento de la sonata presenta características específicas que contribuyen a la coherencia y diversidad de la obra. A lo largo del Romanticismo, los 2º, 3º y 4º movimientos experimentan una evolución paralela al 1^er movimiento al aparecer con una mayor libertad formal y tonal. Algunas estructuras estudiadas en unidades anteriores se mantienen estables en mayor o menor medida, como las formas ternarias (A – B – A) o la forma Rondó simple (A – B – A – C – A – D, etc.) aunque otras sufren cambios que es importante destacar. A lo largo de esta sección profundizaremos en el Scherzo y la forma Rondó-Sonata.

El Scherzo

En el tercer movimiento aparece una evolución de la estructura Minueto/trio, el Scherzo. Las primeras apariciones del término Scherzo son tempranas, podemos encontrar obras de Monteverdi con este título (compuso dos set de obras en 1607 y  1632) así como algunas apariciones en la música de Bach (VI mov. de la Partita para teclado Nº3 BWV 827 o la Badinerie de la Suite orquestal Nº2 BWV 1067) pero será en el Romanticismo cuando esta forma cobre mayor importancia. Es a partir de Beethoven, con exactamente la misma estructura, cuando se comienza a utilizar como sustituto al Minueto el Scherzo (que significa broma o jugueteo en italiano) en la Sonata. Su carácter es más enérgico, dinámico y tiende a una textura más contrapuntística.

Sería, pues, un esquema del tipo A-B-A, tripartito (o ternario) y simétrico (o cíclico), en el que tanto la sección primera o principal (A) como la segunda o central (B) proponen sucesivamente dos temas y se abrochan con la recurrencia al primero de ellos, esto es, su ‘microforma’ respondería al esquema a-b-a. Como se ve, cada parte reproduce la estructura del todo. La sección principal (A) es el scherzo propiamente dicho o sección de scherzo, mientras que la sección central contrastante (B) se denomina trío o sección de trío.

A partir de Beethoven, el scherzo se impone en las obras acogidas a la forma sonata y su carácter, su funcionalidad y su forma no suelen faltar en ninguna obra de estas características durante todo el siglo XIX.

El Rondó – Sonata

Esta forma típica finales del Clasicismo experimentó su auge durante el Romanticismo. La estructura del Rondó-Sonata combina aspectos formales de El Rondó simple  con las características de La  Forma sonata. Se trata de una forma mixta o híbrida típica en los movimientos finales de sonatas, sinfonías y conciertos.

El Rondó-Sonata deriva del rondó de tres coplas (ABACADA). La tercera copla D se sustituye  por la recapitulación de B formando así una simetría  (ABACABA). Las coplas y los estribillos se agrupan configurando las tres  secciones de la Forma sonata:

• En la primera sección (Exposición) A y B funcionan como dos temas contrastantes: primer tema o tema principal en la tónica y segundo tema o tema secundario en la dominante. En la mayoría de los  casos se interpola entre los dos temas una transición o puente modulante. La primera sección se cierra con el retorno de A formando una estructura ternaria ABA’ con el esquema tonal I-V-I. Si bien en la Forma sonata la primera sección queda abierta tonalmente, el Rondó-Sonata la cierra en la tónica y la polarización tónica-dominante pierde el dramatismo que se produce en los movimientos en Forma Sonata.
• La segunda sección, C, presenta la sección de  Desarrollo, pero a veces ésta se sustituye por una parte central independiente con función de Trío (segunda sección de un Minueto).
• La tercera sección (Reexposición o Recapitulación) presenta a los dos temas, A y B’,  en la tónica (resolución tonal) y finaliza con la repetición de A que cierra toda la estructura. A y B se presenta en la tonalidad principal.

Los últimos movimientos de la sonata, sinfonía o concierto tienen la función de resolver toda la tensión producida a lo largo de la obra y a nivel tonal tienden a enfatizar las funciones de subdominante y tónica propias de las recapitulaciones. El fraseo periódico y la sustitución del desarrollo por temas sencillos son otros aspectos que contrastan con el carácter abierto del primer movimiento.